RÚBRICA

RÚBRICA: es un conjunto de orientaciones que representan diferentes niveles de desempeño de los alumnos y que se usa para describir y juzgar sus actuaciones o los trabajos realizados por ellos.

La rúbrica para asignar puntajes: conjunto de categorías ordenadas con las cuales se puede comparar un trabajo o desempeño determinado y especifica la calidad o el  proceso que deberá exhibir una actuación o trabajo para recibir una calificación evaluativa particular. Por lo tanto es un procedimiento que especifica la manera cómo se calificarán los trabajos que realizan los alumnos o sus desempeños. Esta especificación se logra precisando los criterios  que se considerarán al momento de asignar puntajes y articulando, para cada criterio, una gradación de calidad que puede ir desde experto a principiante

El número de niveles de gradación de la calidad del trabajo del alumno es variable. Un ejemplo:

5: Cumple con todas las exigencias, se destaca.

4: Cumple con las exigencias con algunos errores u omisiones.

3: En algunos aspectos cumple con las exigencias.

2:  Rara vez cumple con las exigencias.

1: No cumple con las exigencias.

Hay que tener en cuenta los criterios para asignar puntuajes o dimensiones de lo que se evalúa. Hay que definir  esos criterios. Saber cuales son los niveles de calidad o de capacidad. Los descriptores de esos niveles serán los indicadores.

Considero la Rúbrica focaliza los esfuerzos de enseñar por parte del docente y le facilita la elaboración de informes.

Para los alumnos, les orienta y les proporciona elementos de juicio para autoevaluar su trabajo y les ayuda a adquirir paulatinamente autonomía en su propio proceso de aprendizaje.

            Uno de los aspectos que ha causado más controversia entre los maestros en relación con la evaluación, es la posibilidad de permitir a los estudiantes que participen en la decisión de cómo ser evaluados. Se piensa que ellos no están listos para esto y que con seguridad plantearían estándares muy bajos o formas sencillas para lograr calificaciones altas. Sin embargo, en algunas escuelas de Estados Unidos de América se usa el llamado contrato negociable (Stix, 1996) para que los alumnos se involucren en la evaluación.

Esta aproximación permite compartir con el estudiante la responsabilidad de su aprendizaje y de su calificación. El profesor también ofrece su punto de vista acerca de lo que debe calificarse en un determinado trabajo o producto, pero primero debe preguntar a los alumnos qué piensan sobre lo que debe calificarse para que se elabore un producto de calidad y por qué. Esto se puede llevar a cabo en una discusión de clase y el profesor puede fungir como facilitador de dicha discusión.

Un elemento importante usado en el contrato negociable es la rúbrica, esto es, diseñar una gráfica de evaluación entre maestros y alumnos. La rúbrica tiene por un lado de la gráfica "los criterios" que deben dominarse en la lección. Arriba se enlistan "los rangos" que servirán para evaluar el dominio de cada criterio. En la rúbrica, también debe aparecer el valor numérico o verbal según la importancia de cada criterio.

Técnicas de observación.

Ejemplo. Rúbricas para la evaluación de un mural: Un profesor de estudios sociales de la escuela "Robert Wagner" (en Stix,1996). El proyecto asignado fue la elaboración de un mural para una lección de Geografía. Antes de iniciar, el profesor reunió a sus alumnos para decidir entre todos cuáles serían los criterios que le darían al evaluador para calificar el mural con más calidad. Después de varias discusiones se pusieron de acuerdo en tres criterios:

-El detalle y la profundización de lo realizado.

-La aclaración sobre el tema.

-La alta calidad del diseño.

En la rúbrica, estos criterios se acomodan enlistados de lado izquierdo. Ahora, lo siguiente sería decidir los rangos, en lugar de grados o números (y colocarlos en la parte superior). De preferencia, los rangos deben evitar la implicación de bueno o malo. Los rangos elegidos en este caso fueron:

-novato,

-aprendiz,

-veterano

-maestro.

Algunos ejemplos de palabras que pueden emplearse como rangos neutrales según Stix (1996) son:

-Intento, aceptable, admirable e imponente.           

-Plomo, bronce, plata y oro.            

-Campesino, artesano, noble y faraón (personalmente este no me gusta)

-Gato, pantera, tigre y león.

-Primera base, segunda base, tercera base y home run.

-Novato, aprendiz, experto y distinguido.

Cada uno de los rangos debe definirse; por ejemplo en este último caso:

•            Novato. Estudiante que ha entendido poco sobre la lección, observa poca preparación, sus conclusiones y su organización son deficientes y la información que maneja es incorrecta.

•            Aprendiz. Empieza a entender los conceptos, tiene la idea principal, pero la presenta en forma general con pocos detalles y algunos errores en la información.

•            Experto. Señala un claro entendimiento conceptual de la lección, y sus reportes son lógicos, organizados, con pocos errores.

•            Distinguido. Su trabajo es sobresaliente, maneja detalles precisos, consistentes y a profundidad, y la presentación tiene pocos errores.

Se pueden incluir puntuaciones en cada rango y los estudiantes se clasifican en uno o en otro, dependiendo del trabajo realizado (véase cuadro 3.1).

Clasificación por categorías.

Ejemplo. Rúbrica para evaluar aprendizajes de la materia de Literatura

Otro ejemplo, ahora para una clase de Artes, lo ofrece la profesora Janine Bartko's en Stix (1996); ella utilizó la rúbrica en una unidad sobre poesía. Primero, los alumnos leyeron sobre diferentes tipos de poesía. Para poder evaluarla, tuvieron que definir lo que se considera una buena poesía, así que los estudiantes trabajaron en equipo y decidieron que había cuatro criterios que podrían servir para evaluar con justicia la calidad de los poemas:

Mural

Novato

Aprendiz

Veterano

Maestro

Detalles y profundización

-Poco hechos o incorrectos, escasos detalles

(1 a 3 puntos)

Algunos hechos precisos.

-Algunos detalles (4 a 6 puntos)

-Cantidad sustancial            de hechos,buena cantidad de detalles (7 a 9 puntos)

-Cantidad excepcional de hechos. Descripciones vívidas (10 a 12 puntos)

Aclaración sobre el tema

Vago y poco claro (1 a 2 puntos)

-Algo focalizado, pero no lo suficientemente organizado (3 a 4 puntos)

-Bien organizado y claramente presentado (5 a 6 puntos)

-Altamente organizado y fácil de seguir (7 a 8 puntos)

Alta calidad del diseño

-Poco diseño, mal planteado (1 a 3 puntos)

-Diseño simple,pero organizado (4 a 6 puntos)

-Atractivo, invita a verlo(7 a 9 puntos)

diseño excepcional y sobresaliente atractivo visual (10 a 12 puntos).

Puntuación de rangos con base en cuatro criterios.

1.            Poco focalizado, y el autor parece inseguro de la dirección (1 a 2 puntos). 2.            Algo focalizado, pero ausencia de continuidad (3 a 4 puntos).

3.            Bien focalizado, y el lector interesado completamente (5 a 6 puntos).

4.            El lector cautivado e involucrado profundamente (7 a 8 puntos).

5.            Dificultad para visualizar la imagen o la emoción (1 a 3 puntos).

6.            Algún uso de imagen, idea o emoción (4 a 6 puntos).

7.            Claro uso de imágenes sensoriales para simular ideas o emociones (7 a 9 puntos).

8.            Imágenes detalladas e intensidad en las emociones (10 a 12 puntos).

9.            Selección inapropiada o imprecisa de las palabras (1 a 2 puntos).

10. Expresión del pensamiento marginalmente (3 a 4 puntos).

11. Selección apropiada del lenguaje (5 a 6 puntos).

12. Uso rico e imaginativo del lenguaje (7 a 8 puntos).

13. Arbitrariedad en la puntuación (1 a 2 puntos).

14. Alguna puntuación significativa (3 a 4 puntos).

15. Puntuación significativa completa (5 a 6 puntos).

16. Puntuación que comunica el pensamiento (7 a 8 puntos).

Entonces, la rúbrica permite a los estudiantes involucrarse en su aprendizaje al participar en la evaluación; ellos tienen más claro lo que se espera y cómo asegurar sus logros.

Recomendaciones para la elaboración

•            Conviene redactar respuestas modelo que demuestren los grados de los puntos que se asignarán en cada aspecto.

•            Revisar las respuestas en forma anónima, sin ver los nombres o mediante un código para cada estudiante.

 •            Revisar y calificar una pregunta a la vez.

Ventajas:

-Sirve para evaluar niveles cognitivos altos donde la producción y la organización de las ideas son importantes.

-Útil para que los alumnos muestren su capacidad de integración y sus habilidades creadoras.

-Fácil de elaborar.

-Se adapta a la mayoría de las materias.

-Permite mayor libertad para elaborar las respuestas.

-Permite precisar y comunicar los criterios que tendrán en cuenta al evaluar.

-Posibilita que la medición sea más objetiva y consistente.

-Le fuerza a precisar los criterios y estándares, en términos específicos.

-Permite una retroinformación útil a los alumnos sobre la efectividad del proceso enseñanza aprendizaje. Proporciona expectativas precisas sobre lo que será considerado en la evaluación.

-Precisa estándares que deberán alcanzar.

-Proporciona mayor consistencia en la medición de los desempeños o comprensiones y en las calificaciones.

-En la medida en que los alumnos logran experiencias en el uso de la rúbrica, se les posibilita la autoevaluación, la coevaluación y la autonomía en el aprender.

Desventajas:

-Se invierte mucho tiempo en su revisión.

-La representatividad del contenido es limitada.

-La confiabilidad de los resultados tiende a ser baja debido a los elementos subjetivos que pueden interferir en la revisión.

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MÉTODO DE REGISTRO

Mientras que el método de registro de acontecimientos notables demanda que el evaluador utilice una bitácora diaria o un archivo para consignar en este documento las acciones más destacadas. 

El modelo de las hojas de registro permite evaluar en todo momento el desarrollo y alcance de múltiples  capacidades.

Es de carácter englobador. Las hojas de registro permiten determinar quién y en qué momento alcanza cada capacidad. Se tiene que observar muy detalladamente a tus alumnos. Con ello podemos saber donde realmente falla, o donde destaca nuestro alumno para así poder desarrollarlo en profundidad.

DESVENTAJAS:

-Dificultad que plantea este tipo de evaluación es que las hojas de registro han de ser enormes  si se quieren controlar todos los parámetros  y tantas como tareas,  así que hay simplificar.

-Si no se establecen previamente los criterios para evaluar, el resultado que se emita puede ser subjetivo. Se deberán establecer los criterios que el docente utilizará para evaluar el manejo de la información.

-Dirige al alumno a moverse dentro de una gran competición y puede llegar a compararse con otros alumnos lo cual no llega a ser muy positivo dentro de las relaciones sociales entre ellos.

*LINKS:

http://platea.pntic.mec.es/erodri1/TALLER.htm

http://www.educa.madrid.org/cms_tools/files/3846f545-a22a-4593-986f-28e10af86e35/orientaciones%20atención%20infantil.pdf

SIGLO XX INTRODUCCIÓN: LOS MOVIMIENTOS PRECURSORES Y LOS PIONEROS.

       El movimiento denominado postromanticismo corresponde a un período de gran convulsión en todos los ámbitos culturales y artísticos europeos. Las grandes óperas de Wagner, sobre todo a partir de Tristán e Iseo (1865), abren paso a nuevas posibilidades expresivas con la utilización del cromatismo y la expansión de la tonalidad. Es, principalmente, a los compositores influidos poderosamente por la música de Wagner a los que se refiere la etiqueta de postrománticos, por estar creando obras bajo los cánones del romanticismo en una época en la que conviven muchas manifestaciones culturales y artísticas de carácter innovador, como el impresionismo, el futurismo, el expresionismo, etc.

La libertad de escritura se manifiesta en el nuevo tratamiento de la melodía y la armonía en la obra de Debussy, la sensualidad del colorido orquestal en la música de ballet de Stravisnky y en el proceso de desintegración, primero de la tonalidad y, posteriormente, de la melodía, la armonía y la textura que inicia Schöenberg a partir de la segunda década de siglo XX. No obstante, las músicas de signo más conservador, al gusto de amplios sectores de la aristocracia y de la burguesía, siguen teniendo sus cultivadores entre compositores como la familia Strauss. Ellos, junto a Brahms, Mahler y Schöenberg, hacen que Viena siga siendo uno de los principales centros musicales, a la vez que París registra una alta concentración de músicos, entre los que pueden citarse a Debussy, Massenet y Stravisnky.

Para comprender la música del siglo XX, es importante que nos acerquemos primero a la del siglo XIX, y en especial a una corriente llamada Impresionismo.

El IMPRESIONISMO nace como una auténtica revolución y los artistas van a expresar el mundo según lo que ven y no guiados por las convenciones y costumbres del momento. Supone una auténtica liberación.

Se va a luchar por una música más individual y personal, saliéndose para ello de las normas establecidas.

La música impresionista pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Para ello, la melodía se va a convertir en algo fragmentario y escondido, va a evocar lo esencial, creando una atmósfera sonora, bastante imprecisa.

Es igualmente destacable la ruptura con las armonías tradicionales. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades. Uso de escalas no convencionales, como la de tonos enteros, escala acústica, pentatónicas, etc...

En esta música, el sonido va a constituir el alma de la música. Los sonidos independientes y sin personalidad se van a imponer unos con otros creando diversos efectos y colores.

El músico más importante de este movimiento fue Claude Debussy (1862 − 1918). Generó ideas completamente nuevas en la forma, la orquestación, además de una depurada utilización del sonido y del timbre. Fue uno de los renovadores más eficaces y relevantes de la historia de la música en el mundo occidental.

Su obra es original y diversa, recurre a una armonía novedosa para su época. Da un papel completamente nuevo al piano, al que buscó efectos resonantes, tímbricos y sonoros realmente novedosos, usando para ello un juego de pedal esencial y único. Las innovaciones realizadas para el piano no cayeron en el olvido, siendo guía y ejemplo para compositores posteriores. En su obra pianística encontramos diversas formas (baladas, arabescos, suites, preludios, imágenes...)

No fue menos Debussy en lo referente a orquesta. En el Prélude ál ́après − midi d ́un faune se apartó de los esquemas clásicos referentes a la exposición y desarrollo, para ofrecernos una especie de improvisación generada a partir de un único tema. La melodía va a ser tocada varias veces por la flauta travesera, con gran sentido cromático y cierto aire oriental, creando un aire de ensoñación y desenfoque. Se nota además una importante riqueza armónica.

El comienzo del preludio para piano La catedral sumergida, 1910, resulta un buen ejemplo de música para piano impresionista. Este fragmento también ilustra alguna de las características del nuevo lenguaje tonal armónico. No aparece ninguna alteración en los primeros compases introductorios; se combinan siete notas blancas para formar un campo armónico estático dentro del cual suenan combinaciones totalmente libres.

Alexander Nikolaievitch Scriabin (1872−1915) fue un compositor y pianista ruso, únicamente interpretaba sus propias obras. Realizó giras por Rusia, Suiza, Francia y los Países Bajos. Se dedicó principalmente a la composición, aunque no dejó de dar conciertos, llegando a hacer una gira por los Estados Unidos de América entre 1906 y 1907. En 1910 regresó a Moscú y dedicó sus últimos años de vida a la elaboración de una obra que reunía la música, la poesía, la danza, los juegos de luces y los perfumes.

Sus comienzos estuvieron influenciados por Chopin, período al que pertenecen las obras para piano hasta el op. 29, las dos primeras Sinfonías y el Concierto para piano. Pero su búsqueda de una expresión estática y contemplativa, que se corresponde con una concepción religiosa y mística del arte, le fue aislando de la música de sus contemporáneos; compuso entonces la cuarta Sonata y la tercera Sinfonía. A partir de 1907 prima la idea de un mesías con función redentora de la música y, así, surgen Poema del éxtasis, de imponente orquestación, y las seis últimas Sonatas y Prometeo. Inventó el acorde Prometeo (DO FA# SI b MI LA RE).

Erik Satie (1866 − 1925) Recibió las primeras lecciones musicales de un discípulo de Niedermeyer y, a partir de 1879, ingresó en el Conservatorio de París, donde fue discípulo de Decombes, Taudou y Mathias. En 1891 compuso tres obras importantes: Sarabandes, Gymnopédies y Gnossiennes. En esta época conoció a Debussy, al que le unió una estrecha amistad. Entre 1891 y 1895 compuso música mística sobre textos de Peladan, Mazel, Bois y Contamine de Latour. Entre 1895 y 1905 compuso para cabaret. Esos años su producción se redujo a Trois Morceaux en forme de poire (1903), que es una pequeña antología de la música de cabaret en la que incluyó algunos fragmentos de Gnossiennes y Pieces froides (1897). Entre 1905 y 1915 estudió con d'Indy, Roussel y Serieyx en la Schola Cantorum; durante esos años su producción fue escasa. Compuso en tan sólo tres años la mayor parte de sus obras, entre otras, todas las piezas "humorísticas" para piano. En la década 1915−1925 conoció la popularidad y se convirtió en un símbolo de la vanguardia y en el máximo representante del grupo de los "Seis" y la "Escuela de Arcueil". En estos años compuso el ballet Parade (1917) y Socrates (1919), entre otras obras. Muchos autores contemporáneos a su época, le acusaban de no tener técnica. Sus obras tienen caracteres repetitivos, y usa pocos sonidos, creando un ambiente completamente nuevo.

A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artístico europeo, lo mismo en arte que en música va a cambiar enormemente; la diferencia se puede resumir en un término que usan los historiadores, la disgregación del fenómeno artístico; es decir, si hasta ahora teníamos grandes periodos como barroco o el romanticismo en lo que se integraban todos los artistas de todas las artes, en adelante no va a ver un movimiento que las integre a todos, sino que van a surgir varios que conviven al mismo tiempo y que por otra parte se suceden con rapidez. Cada músico tiende a crear su arte independiente, además los diversos estilos se irán sucediendo con gran rapidez y eso dificulta enormemente el estudio de la época.

Por otra parte, ya no es posible establecer el paralelismo entre música y arte.

Otras características generales a tener en cuenta son que la música de que ser un fenómeno que se da en ciertas naciones y se internacionaliza, los compositores dejar de lado el carácter nacionalista para hacer un arte universal.

Una de las figuras más importantes del siglo XX va a ser Igor Stravinsky (1882 − 1971). Tocó en su obra los aspectos más variados. Investigó en todos los aspectos de la música, y la hizo evolucionar en el ritmo, sonido, instrumentación, etc...

Tras investigar el folklore de su patria, Rusia, estreno el 29 de Mayo de 1913 en París su obra La consagración de la Primavera. Este estreno supuso un gran escándalo por lo agitado de su rítmica y su sonoridad apabullante. Se subió al carro del Neoclasicismo, donde trata de acomodar su música (Pulcinella, Octeto) a la de finales del Barroco. También investigó con el dodecafonismo al final de su vida musical (Canticum sacrum).

Si hay algo que caracteriza al siglo XX es la ruptura con la tonalidad o Atonalismo. Esta regla consiste en crear una música completamente distinta, obviando las reglas que rigieron durante siglos de ceñirse a una tonalidad. La sensación auditiva es completamente nueva, los sonidos se liberan. Primero se rompe con la armonía, luego con la melodía y el ritmo, y todo lo establecido.

El austríaco Arnold Schöenberg (1874 −1951) va a ser uno de los precursores de esta corriente, con obras como Pierrot Lunaire (1912), o las Tres piezas para piano Op 11. Schöenberg fue de formación autodidacta en un principio, y estudió violín, violoncello y piano. Estuvo influenciado por Brahms y Wagner, y comenzó componiendo obras totalmente tonales.

El ATONALISMO va a dar paso a un nuevo sistema inventado por él, el Dodecafonismo, o Música Serial. Consiste este sistema, en componer una música partiendo de 12 sonidos de la escala cromática y colocados en serie. Esta serie sufrirá tres cambios, llamados retrogradación, movimiento contrario y retrogradación de este movimiento contrario. Esto hace crear una música de carácter melódico, pero muy rara al oído. La primera obra que Schöenberg compone en esta línea es el Opus 23 para piano (1923). Schöenberg va a crear a través del expresionismo, que es una corriente artística en la que el hombre europeo grita ante la sociedad que va a correr hacia el caos de la Primera Guerra Mundial. Es un lenguaje desesperado, con el que se distorsiona la realidad para expresar dolor y angustia. Esta corriente está expresada perfectamente por el cuadro El grito de Charles Munch.

La escuela de Viena, formada por Schöenberg, y sus discípulos Alban Berg (1885 − 1935) y Anton Weber (1883 − 1945) van a seguir el sistema del dodecafonismo. Esta escuela se va a relacionar con pintores y arquitectos, poniendo muchas ideas en común. Schöenberg pintará obras de gran valía e inventará algún que otro objeto.

El húngaro Bela Bartok (1881 − 1945), es uno de los músicos que más va a influir en la música del siglo XX. Recorrió junto con Zoltan Kodàly diversos países, recogiendo el folklore popular. Como consecuencia de esto, descubrió las escalas pentatónicas y ritmos completamente novedosos. En su obra Mikrokosmos, muestra una colección de 156 obras para piano de carácter pedagógico, y vitales en la música del siglo XX. En el Concierto para instrumentos de cuerda y celesta, sublima los elementos folklóricos. En definitiva, Bartok consigue unir la música moderna con la tradicional, creando un lenguaje nuevo.

El Neoclasicismo surge hacia 1920 como reacción frente al Romanticismo, incluyendo el Impresionismo y el Expresionismo. La actitud antirromántica rompe con el pasado inmediato y se siente familiarizada con los conceptos anteriores al Romanticismo, especialmente los del siglo XVIII. De nuevo se adoptan modos de interpretación, formas y géneros del Barroco y el Preclasicismo, como suite, concierto, sinfonía y sonata. Los músicos de este movimiento utilizan para sus composiciones toda la historia de la música, con sus diferentes estilos (incluido todo el siglo XIX, con criterio distanciador, como en el resto de los casos), así como la música de culturas no europeas y el jazz. Al igual que en la literatura, se pretende destruir la rutina tanto en la creación como en la audición, a través de efectos de distanciamiento y parodia. El Neoclasicismo es tonal y, a partir de los años treinta, se acentúa la tendencia hacia un ordenamiento racional de las formas y los géneros. El movimiento finaliza entre 1950 y 1960.

Al mismo tiempo que sucedían estos cambios, promovidos por la Escuela de Viena, en Italia aparecen una serie de músicos que incorporan a su música nuevos objetos sonoros: la incorporación de ruidos. Esta corriente se llamó Futurismo, y afectó tanto a la música como a la literatura y el arte. Este movimiento no es importante por sus obras, sino por lo que supusieron. El futurismo pone como punto de partida el ruido, no el sonido.

Son Russolo y Pratella los que crean esta música, e intentan orquestar a las multitudes que van atropelladamente, las fábricas, estaciones de ferrocarril, ruidos de la guerra, etc.. En 1913, dan su primer concierto con estas obras: Reunión de automóviles y El despertar de la ciudad.

Lo importante de esta música es el hecho de haber incorporado un elemento prácticamente nuevo, el ruido, que no había sido usado hasta entonces. Aparecen músicos como Edgar Varese (1885 − 1965), que partiendo del ruido componen obras de gran valor artístico, como Ionización, para trece percusionistas, y Desierto, que desembocará en otro concepto, la Música Concreta, que nació de manos de Pierre Schaeffer el 5 de Octubre de 1948.

En Francia se dio paralelamente el Bruitismo (del francés bruit, ruido) que parte de esta misma premisa. Destacan el mejicano Carrillo y el checo Alois Hába, que emplea los cuartos de tono.

WILLIAM WALTON (1902-1982): compositor y director de orquesta británico.

-modernismo vanguardista-

Influido por Stravinski, Sibelius y el jazz su estilo está caracterizado por la gran vitalidad rítmica, una agridulce melancolía en su armonía así como por su sabia conjunción de melodía romántica y brillante orquestación. Conocido y reconocido por sus obras orquestales, su música coral y ceremonial y por sus excelentes bandas sonoras.

Sir William Turner Walton nació en el seno de una familia de tradición musical. Ya en el 1923 adquirió notoriedad con una adaptación de un poema de Edith Sitwell, Façade, una obra muy influenciada por el jazz y que le encumbraron como un compositor moderno, pero fueron sus trabajos orquestales y el oratorio Belshazzar's Feast los que le trajeron el reconocimiento internacional aún así en la década de 1920 Walton tuvo pocos ingresos, tocando el piano en clubs de jazz y componiendo. En los primeros años se caracterizó por un fuerte impulso rítmico, ampliamente sincopado, y un lenguaje armónico disonante, pero predominante tonal. El Concierto para viola de 1929 fue la obra que lo catapultó a la vanguardia de la música clásica británica. Los dos compositores favoritos en los años 1930 en Inglaterra fueron Beethoven y Sibelius, y Walton, en su método de construcción musical claramente bebe en ambas fuentes.

Durante la II Guerra Mundial Walton compuso música para películas propagandistas, como The First of the Few (1942) o Henry V (1944), una adaptación de Laurence Olivier. Entre otros trabajos escribió una ópera trágica en tres actos, Troilus y Cressida (1947-54) pero no fue muy bien acogida. Destacar su obra maestra de posguerra Variations on a Theme by Hindemith (1963).

Su música a partir de los años 1960 muestra un rechazo a las tendencias vanguardistas de la posguerra —que capitaneaban Boulez — y prefirió componer en un estilo post-romántico.

Hoy la reevaluada figura de Walton que se ve menos como un representante pasado de moda de una era perdida y más como un compositor muy individualista que escribió en un idioma atractivo, personal, vital y brillante.

Fernando Sor- -El “Beethoven de la guitarra” en España- (1778 –1839)

BIOGRAFÍA Y CONTEXTO.

Fue un guitarrista y compositor nacido en Barcelona. Sor descendía de una larga línea de soldados e intentó continuar esa tradición, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta.

En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso.

En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas y aristócratas que simpatizaron con los franceses abandonaron España por miedo a las represalias. Se fue a París, y nunca volvió a España.

Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística europea por sus habilidades para la composición y por su capacidad para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo la guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia donde escribió y presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo de la coronación del zar Nicolás I. En 1827, debido en parte a su avanzada edad, se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Durante este retiro compuso muchas de sus mejores obras, entre otras una didáctica: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas, incluido al castellano, en el año 2008, a los 178 años de su primera edición.

Su última obra fue una misa en honor de su hija, muerta en 1837.

ESTILO

Tenía un lenguaje guitarrístico bastante avanzado para su época, pero, aun así sigue siendo considerado como un compositor totalmente clásico pero muchos intérpretes acostumbran hacer una interpretación de sus obras con un enfoque romántico.

Incursionó en distintas formas musicales, por ejemplo divertimentos, tema con variaciones, sonatas, fantasías, minuetos, duetos, así como diversa música vocal, haciendo muestra de su conocimiento en cuanto a las técnicas de composición de la época. Sin embargo, sus obras son claras y en cierto modo sencillas, lo cual permite una fácil asimilación para aquel que las escuche.

Hacia un uso frecuente de las tonalidades menores como preámbulo a sus piezas, un ejemplo claro es la introducción de las Variaciones sobre un tema de Mozart, la cual está en mi menor pero en el transcurso de ésta, modula para así mostrar el tema en Mi mayor. Otro ejemplo de esta característica es el "Gran solo" en donde el ejemplo es el mismo solamente que en Re menor.

Otra característica de su estilo compositivo es el sutil uso de "retardos armónicos" muy al estilo de Haydn y Mozart. Del mismo modo, es posible encontrar más similitudes con dichos compositores, pero, esto se puede observar como resultado de la influencia del estilo predominante en su época, el Estilo Galante (El término «música galante» se refiere a un estilo que se da fundamentalmente en el tercer cuarto del siglo XVIII y que supone un retorno a la simplicidad clásica tras el recargamiento del último Barroco).

Patricia Cardiel Pastor

ESCUNI

Trivial EDAD MEDIA-GREGORIANO

1.-¿Sobre que están escritas las partituras del canto gregoriano?

En la notación cuadrada de la Edad Media, se denomina tetragrama al conjunto de cuatro líneas sobre las que se escribían las partituras de la época. Es una pauta formada por cuatro líneas horizontales, paralelas equidistantes entre sí, y los tres espacios que quedan entre ellas, sobre los cuales se escribían las notas, pequeños cuadrados negros, con plumas de punta cortada. El tetragrama se dibujaba en tinta roja. Por convención las líneas y espacios se cuentan de abajo hacia arriba. La posición de la nota sobre una de las líneas o uno de los espacios, indica la altura y el nombre del sonido a ejecutar. La música se escribe por medio de signos que se colocan en el tetragrama.

¿Qué claves se utilizaban?

Las claves utilizadas son de DO (C) y FA (F) las cuales pueden estar en segunda, tercera o cuarta línea.

2.-¿ Por qué se dice que en el canto gregoriano la línea melódica no es muy movible? 

Porque no hay grandes saltos en la voz. Por lo regular la línea se mueve por segundas, terceras, cuartas o quintas. Es raro encontrar, por ejemplo, un salto de octava (por esto se le llama también canto llano).

PREGUNTAS TRIVIAL PREHISTORIA

1.-¿Por qué tenemos evidencias de que los agujeros encontrados en las primeras flautas realizadas con tráqueas de animales no están causados por mordeduras de animales?

La distancia entre los agujeros es bastante proporcional.

¿qué implicaciones musicales conlleva? 

Esta proporcionalidad, además, tendría implicaciones musicales importantes, ya que establecería relaciones diatónicas entre los sonidos, creando distancias de tonos y semitonos.

2.-¿En qué época se empezó a utilizar cuerdas tensadas en instrumentos?
En el Neolítico.

El Poder de la Escala Pentatónica. Bobby Mcferrin

http://youtu.be/ne6tB2KiZuk