miércoles, 8 de junio de 2011

PREGUNTAS TRIVIAL MÚSICA RENACENTISTA

1.- ¿Qué son los CONSORTS?
2.-¿Cómo se denominaba el sistema de escritura para cada instrumento?
3.-¿A qué generación  perteneció JOSQUIN DES PREZ? ¿y de qué fue modelo para toda Europa?

martes, 7 de junio de 2011

LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA



La edad media comienza tras la caída del imperio romano y termina en el siglo XV tras una grave crisis iniciada en el siglo XIV. En occidente, la iglesia se convirtió en el eje fundamental de la vida medieval. Monjes y religiosos compusieron música para a hacer más solemne la liturgia.
A partir del gregoriano, fue desarrollándose una música que desembocó en el nacimiento de un modo de expresión revolucionario: la polifonía.
Por otra parte, los estilos artísticos proporcionaron imponentes edificios que fueron el escenario de estas melodía.

Los orígenes del canto gregoriano
Se cree que los primitivos cantos cristianos nacieron a imagen y semejanza de los que cantaban los judíos en sus sinagogas. Como la iglesia se había extendido por el enorme territorio del antiguo impero romano, en cada lugar se cantaba de una manera diferente. Fue necesario emprender una unificación, salmos de las catacumbas. Este trabajo lo llevó a cabo el papa Gregorio Magno por la cual este tipo de canto recibe el nombre de Gregoriano.
Alabar a dios con música: Los rituales cristianos que se acompañaban del canto eran la misa y los oficios.
El gregoriano es un canto monódico sin acompañamiento de instrumentos y su texto religioso, está escrito en latín.
Música gregoriana
La música intenta dar el sentido de las palabras, y el mismo latín con sus largas y breves influye directamente en la melodía gregoriana, que sin esta lengua deja de tener sentido. Además de monódico es a capella (a una sola voz y sin acompañamiento instrumental).
Ritmo y melodía: El ritmo en el gregoriano es libre, está lejos de lo que son las barras de compás, de la acentuación mecánica, es muy flexible y escapa de todo lo que puede ser una medida matemática. En tanto que es música inseparable del texto, este juega un papel fundamental en la determinación del ritmo (la notación neumática era muy precisa en cuando al ritmo).
-El ámbito melódico es reducido. La mayoría de los cantos tienen un ámbito de séptima, octava o novena, aunque los cantos más antiguos se mueven entre los límites de una quinta o sexta.
-El intervalo. La melodía gregoriana no tiene grandes saltos, es una melodía por grados conjuntos, la forma más normal de movimiento disjunto son los saltos de tercera y cuarta, los intervalos de quinta son más escasos y los mayores de quinta son muy raros.
-Diseño melódico. En la mayoría de las melodías gregorianas la curva o arquitectura melódica tiene forma de arco. Se comienza en el grave, se eleva a notas más agudas y luego desciende hasta el final de la frase o cadencia. Según el número de notas que tengan cada sílaba el canto gregoriano se clasifica en los siguientes grupos o estilos
.
1-Silábico: Cuando cada sílaba tiene su nota, cada nota de la melodía se corresponde 
con una sílaba del texto.
2-Salmódico: Sobre una misma nota recitativa aparecen muchas sílabas del texto
3-Neumático: Cuando cada sílaba del texto lleva dos o tres notas.
4-Melismático: Cuando lleva más de tres notas por sílabas.
Formas litúrgicas del gregoriano. Las dos formas litúrgicas más importantes del gregoriano son el oficio de las horas y la misa.
El problema de la notación musical
Al principio de la edad media, los textos no estaban escritos y se transmitían de forma oral. Llegó un momento en que la cantidad y dificultad fue tanta, que se empezaron a copiar los textos, con indicaciones acerca de cómo había que cantarlos. Así empezaron a utilizarse neumas. Sin embargo, era un sistema muy imperfecto. Primero Hucbaldo y, más tarde, Guido d'Arezzo emplearon líneas paralelas para situar los signos musicales. Siglos después, los neumas fueron sustituidos por unos signos más claros y de forma cuadrada. Esta notación cuadrada, junto a las líneas del pentagrama, sirvió para la altura de los sonidos.
Trovadores y troveros
La música profana en la edad media: Manuscritos musicales, la mayor parte de temas religioso. Monodia profana (canto a una sola voz, no litúrgico) apenas han llegado documentos escritos de ella. Los copistas y teóricos eran monjes a quienes no interesaba la música profana.
Trovadores y troveros: Los trovadores fueron poetas-músicos cortesanos que tuvieron una gran importancia durante la Edad Media, sobre todo en Francia y España. Su arte nació en la provenza, siguiendo el modelo la poesía popular. El tema principal de los poemas y canciones era el amor caballeresco. EL trovador rendía homenaje a su amada una dama de más alto rango social, muchas veces casada a la que amaba platónicamente. Estos personaje, que surgieron a finales del siglo XI, emplearon la lengua provenzal. Los troveros también surgieron en Francia, pero en el norte, por lo que se expresaron y compusieron sus canciones en una lengua distinta: La Langue d'Oil, más tarde dio origen al francés actual. Los troveros tomaron el relevo de los trovadores, desarrollaron su actividad desde el siglo XII. Sus antecesores surgieron en las cortes; con el nacimiento de las ciudades, se vincularon la burguesía, estableciéndose en gremios. Adam de la Halle (1240-1287), se conocen numerosas composiciones.Trovadores y troveros gozaron de gran prestigio, hasta al punto de que algunos de ellos eran nobles incluso reyes, como Ricardo Corazón de León y Alfonso X el sabio.
Juglares
Al principio de la edad media, los textos no estaban escritos y se transmitían de forma oral. Llegó un momento en que la cantidad y dificultad fue tanta, que se empezaron a copiar los textos, con indicaciones acerca de cómo había que cantarlos. Así empezaron a utilizarse neumas. Sin embargo, era un sistema muy imperfecto. Primero Hucbaldo y, más tarde, Guido d'Arezzo emplearon líneas paralelas para situar los signos musicales. Siglos después, los neumas fueron sustituidos por unos signos más claros y de forma cuadrada. Esta notación cuadrada, junto a las líneas del pentagrama, sirvió para la altura de los sonidos.

Los orígenes del canto polifónico
Hacia el siglo X se introdujeron una serie de variaciones, aunque todavía seguía cantándose a una sola voz. Al mismo tiempo empezó a surgir la polifonía, el canto a varias voces. Primero fueron tan solo dos, y se hizo de una manera sencilla: la voz principal cantaba gregoriano y una segunda voz, llamada voz organal, duplicaba la principal, pero la distancia de una 4ª o una 5ª, más baja.
Había nacido el organum.
Poco a poco las dos líneas melódicas fueron independizándose, con lo que este sencillo procedimiento se complicó.
El ars antiqua
En la segunda mitad de siglo XII, Europa conoció tiempos de extraordinaria prosperidad cultural. En parís, se construía la catedral de Notre dame, en torno a la cual surgió un grupo de músicos que pasaron a la historia por ser los primeros autores polifónicos conocidos.
Léonin y Péotin. Las composiciones de todos ellos son conocidos como la música "de la Escuela de Notre Dame", los encuadernamos dentro del ars antiqua.
Piezas polifónicas:
-Organum: Se desarrolla y evoluciona. Organa a cuatro voces, que se mueven con mayor libertad.
-Motete: dos o tres voces, cada una de las cuales canta un texto distinto y tiene un ritmo también diferente
-Conductus:-Doble: Tenor y duplum
-A tres voces: Tenor, motelus, y triplum
-A cuatro voces: Motete triple

El ars nova
Se conoce con el nombre de ars nova a la época que se desarrolló a lo largo del siglo XIV. Fue Philippe de Vitry compositor y teórico musical que escribió un tratado titulado ars nova, quien dio nombre a este tipo de música.Con el ars nova la polifonía medieval llega a su máxima perfección. Guillaume de Machaut fue uno de sus más destacados compositores. Vitry y otros músicos expusieron nuevas teorías en torno al ritmo, contra las que reaccionaron violentamente los músicos más consevadores.Estas polémicas, fueron un estímulo para la música.

Clément Janequin (c. 1485 – 1558)




Músico del Renacimiento. Fue uno de los más famosos compositores de las chansons populares de todo el Renacimiento junto con Claudin de Sermisy, fue también influencia de importancia para el desarrollo de la chanson parisina, especialmente de tipo programático. La gran divulgación que tuvo su fama fue posible gracias al activo desarrollo de la impresión de su música.

Pocos compositores del Renacimiento fueron tan populares durante sus vidas como lo fue Janequin. Sus chansons fueron muy apreciadas y cantadas. El impresor de París Pierre Attaingnant, imprimió cinco volúmenes de su canciones. La bataille, que tan vívidamente describe los sonidos y eventos de una batalla, junto con el canto de amoríos Il estoit une fillette, son favoritos permanentes de los ensambles renacentistas hasta el día de hoy.
Janequin escribió muy poca música sacra: sólo dos misas y un sólo motete se le atribuyen, aunque muchas otras obras pudieron haberse extraviado. Sus 250 chansons seculares y 150 salmos y chansons spirituelles — el equivalente francés del madrigale spirituale italiano — son su legado más importante.
Las chansons programáticas por las cuales es conocido Janequin fueron largas piezas segmentadas, que con astucia usualmente imitaban sonidos naturales ó del hombre. Le chant des oiseaux imita el canto de las aves. La chasse, el sonido de una cacería y La bataille, probablemente la más famosa y casi con certeza compuesta para celebrar la victoria francesa sobre los Habsburgo en la batalla de Marignano en 1515, imita los sonidos de una batalla, incluyendo el sonar de las trompetas, los cañones y los gritos de los heridos. Efectos onomatopéyicos como estos tuvieron un uso muy común en la música de finales de siglo XVI, hasta entrar a la erabarroca. De hecho, la "música de batalla" se volvió un estilo, pero se le atribuirá su prominencia siempre a Janequin.
Además de las chansons programáticas que lo hacen tan famoso, escribió otras obras cortas y refinadas más al estilo de Sermisy. Para estas, incluyó textos de algunos de los poetas más prominentes de su tiempo, incluyendo a Clément Marot. Más tarde llegó a escribir chansons sacras que usaban tonadas calvinistas tradicionales. Y como no hay evidencia documentada de que Janequin haya sido protestante, el uso de los poemas de Marot, las tonadas calvinistas y la simplicidad extraordinaria de su música tadía (especialmente en contraste con la complejidad polifónica y su estilo programático que cultivó en su vida temprana), es al menos todo, sugestivo.


miércoles, 1 de junio de 2011

*Estampie: danza instrumental*


Se llama estampie en francés, estampida en occitano e istampitta (también istanpitta o stampita) en italiano era un popular estilo instrumental y danza popular de los siglos XIII y XIV. También se dio como forma poética. Muchos aspectos de la forma siguen oscuros e incluso controvertidos.
Las primeras piezas fueron, por lo visto, añadidas en notación mensural (sistema de notación musical que se usaba en la música Europea a finales del siglo XIII hasta aproximadamente el año 1600). "Mensural" se refiere a la capacidad de este sistema de indicar ritmos complejos con gran exactitud y flexibilidad. La notación mensural fue el primer sistema en el desarrollo de la música Europea que sistemáticamente usaba formas de notación individuales para denotar las duraciones temporales. En esto, se diferenciaba de su predecesor, la notación modal, que había sido el primer sistema en introducir una forma limitada de anotar ritmos. La notación mensural está muy asociada con los sucesivos períodos de la Música medieval Ars nova y la francoflamenca escuela de música del Renacimiento.
Añadidas estas primeras piezas pues al manuscrito de canciones troveras conocido como Chansonnier du Roi. Aparecen como grupo de 8 danzas, cada una de las cuales se numeró como estampie royal (ejemplo musical: http://www.youtube.com/watch?v=4mdwKkqqvBQ&feature=related).
Después de la octava danza, la colección continúa con siete piezas que incluyen cuatro saltarelli, un trotto y dos tituladas Lamento di Tristano y La Manfredina. Hoy en día se desconoce totalmente la conexión que pudiera haber entre estos títulos y la música.

Coreografía de la danza:
La danza era el pasatiempo favorito de la Edad Media, requería claramente de alguna forma de acompañamiento instrumental. Esta danza, la estampie, se da como pieza musical y como forma poética. Por desgracia los poemas identificados como estampies están sin música, a excepción del famoso Kalenda Maya. Esta pieza se adelanta en casi cien años a los primeros poemas troveros y a las primeras danzas instrumentales que los escribas identifican como estampies.
El carácter idealizado de todas estas piezas sugiere que la estampie originalmente era una danza real. No se han conservado manuales de danza que describan la estampie como danza. Las miniaturas de los manuscritos y las pinturas de la época parecen indicar que la estampie implicaba saltos bastante vigorosos.
Algunas como la famosa estampie Tre Fontane ("Tres Fuentes"), contienen una escritura instrumental florida y bastante virtuosa; de ahí que pudieran haber sido concebidas como el interpretación abstracta más que música de danza propiamente dicha.

Forma musical:
La estampie consta de cuatro a siete secciones, llamadas puncta  (en el canto gregoriano de la Edad Media las notas se escribían como puntos o “puncta”), cada una de los cuales se repite, siguiendo el patrón: aa, bb, cc, etc.
Diferentes finales (ouvert (abierta) y clos (cerrada)) corresponden tanto a la primera aparición de cada punctum como a la segunda, de modo que la estructura podría ser: a + x, a + y, b + w, b + z, etc.
En ocasiones se utilizan las mismas dos terminaciones para todos los puncta, dando lugar a la estructura: a+x, a+y; b+x, b+y, c+x, c+y, etc.
El ejemplo de esta forma musical más antiguo del que tenemos noticia es la canción "Kalenda Maya" (ejemplo musical: http://www.youtube.com/watch?v=MZpuzb6cbJU), cuya autoría se atribuye al trovador Raimbaut de Vaqueiras (1180-1207) con la melodía de una estampida interpretada por juglares franceses. Todos los demás ejemplos conocidos son piezas instrumentales puras. Los ejemplos del siglo XIV incluyen estampies con subtítulos como Lamento di Tristano, La Manfredina (ejemplo http://www.youtube.com/watch?v=aFezqDI1hKA), Salterello, Isabella, Tre Fontane.
Aunque la estampie suele ser generalmente monódica, también hay noticia de composiciones a dos voces que siguen la forma de la estampie.
Una estructura similar fue compartida con el saltarello (que era una danza viva y alegre mencionada por primera vez en Nápoles durante el siglo XIII. Ha sobrevivido la música, pero no se conocen las pautas la danza propiamente dicha. Se interpretaba en un ritmo ternaria y se llamó así por su peculiar paso saltado, tomando su nombre del verbo italiano saltare, otra danza medieval).

Etimología:
La etimología de estampie es objeto de controversias; nos puede dar pistas sobre su modo de bailarlo un nombre alternativo de esta danza es stantipes, que sugiere que un pie permanece inmóvil durante el baile, pero la etimología más aceptada hace referencia a estamper, en el sentido de dar una patada en el suelo con los pies. 
Links con música:

*MUSICOGRAMA



            Musicograma sería una representación de los elementos que intervienen en una obra musical (ritmo, frases, timbres, compases,..). Se podría decir que es una obra musical con grafías no convencionales musicalmente hablando. Es una alternativa a la partitura convencional, no la sustituye, sino que la completa. La metodología de audición musical activa con el musicograma fue propuesta por Wuytack en 1971 para enseñar a escuchar la música clásica a niños y jóvenes sin conocimientos musicales. Este sistema solicita la participación física y mental del oyente antes y durante la audición y también utiliza la percepción visual (el musicograma) para mejorar la percepción musical.


VENTAJAS:
-       Es un recurso que ofrece grandes posibilidades didácticas.
-       Presenta una visualización de la canción muy global y sencilla, facilitando la comprensión, seguimiento y análisis de la estructura a la que se refiera y se presenta dentro de una limitación espacial.
-       Lo pueden realizar los propios niños y la capacidad de retención es mayor.
-       Puede ser trabajado en actividades de: gran grupo, pequeño grupo e individualmente.
-       Los oyentes sin formación musical que no son capaces de leer una partitura pueden comprender una representación visual más general de la forma y de los materiales.
-       Posibilidad, en el ámbito familiar, de continuar con el trabajo iniciado en el contexto escolar.


Desventajas: veo muy pocas, principalmente pienso que es la de que sólo se puede trabajar uno o dos elementos de la obra musical en la que se trabaja. Y puede ser que un uso excesivo de esto genere una demasiada libertad para el niño a la hora de intentar explicar algún elemento de alguna pieza musical, es decir se puede caer en un subjetivismo injustificado olvidando así partes importantes del lenguaje musical (aunque opino que la audición musical es primordial antes de llegar al lenguaje musical).


PARTICIPACIÓN DE LOS ALUMNOS:
            Los alumnos participan de una manera activa, es decir mediante audición musical activa. Estar activo antes y durante la audición aumenta su atención y concentración en la música. La audición activa significa una audición intencional y focalizada, en la cual el oyente está implicado física y mentalmente, mientras que la audición pasiva supone un bajo nivel de atención.

Los alumnos pueden (adaptado a su edad y nivel musical):
-Expresar en colores y formas las sensaciones que les produzca la música.
-Se les puede dar musicogramas en blanco y negro para que ellos los coloreen.
-Poner nombre a la obra, una vez escuchada y desconociendo el argumento. Y establecer un diálogo posterior sobre el nombre propuesto con la historia narrada.
-Pueden seguir el compás con la mano mientras observan el musicograma y escuchan la pieza.
-Se pueden hacer ejercicios de movimiento, una vez estudiada la pieza.
-Tras la audición de la obra dialogar sobre la intención que tenía el autor al escribir, por ejemplo, los matices de intensidad.

-Realizar el seguimiento de la obra, usando el lápiz, sobre el musicograma.  Previamente lo realiza el profesor en la pizarra, y se les pide a los alumnos y alumnas que lo hagan dibujando en el aire, de forma que sobre el papel sean capaces de seguir visualmente y auditivamente, y no perderse en los signos del musicograma.
- Una vez acabado y ejercitado el musicograma se puede analizar la partitura que corresponde a la pieza musical.


POSIBLE EVALUACIÓN:
            En la práctica, cuanto más se oye una obra mejor se aprende a conocerla y apreciarla. Algunos expertos indican que por lo menos tres veces.
-En la primera audición se obtiene una impresión general de la música y el placer que proporciona el reconocimiento de los temas previamente asimilados.
-La segunda audición permite un estudio analítico, aunque general, de la música. Al seguir las indicaciones del profesor (con la pulsación) sobre el musicograma grande, los alumnos tienen puntos de apoyo para la audición y su atención está continuamente focalizada en la música. El profesor no debe hacer comentarios, para que todos puedan concentrarse en la música.
-Durante la tercera audición los alumnos siguen la música indicando los temas sobre sus propios musicogramas pequeños. Esta indicación individual tiene un doble objetivo: de un lado, la autonomía del alumno durante la actividad de audición, que indica una capacidad para la comprensión de la música; de otro, la posibilidad para el profesorado de observar las dificultades de los alumnos y así ayudarles a comprender la música.


MÚSICA ADECUADA:
            Música orquestal de diferentes períodos de la historia, fundamentalmente la música clásica occidental (música clásica), ya que generalmente es compleja y les cuesta focalizar la atención ya que no suele ser demasiado familiar para muchos niños. Además frecuentemente tienen alguna que otra actitud negativa en relación con esta música (para ellos a veces es un poco “rollo”, aburrida).
Es preferible fragmentos cortos (de uno a tres minutos de duración) a fin de facilitar la concentración de los niños en la música.
Hay que elegir las estrategias para aprender los materiales musicales. Estas  estrategias utilizadas necesitan ser adaptadas a la música dependiendo de las características específicas de cada fragmento musical, por lo tanto considero que no hay música inadecuada o estilo inadecuado, lo que puede ser inadecuado es lo que se pretende estudiar y asimilar con el musicograma ( a lo mejor otra estrategia lo aborda mejor); también puede ser inadecuada el contenido, la letra, lo que destila la música. Pero podemos seguir mediante los musicogramas multitud de estilos y épocas, incluso una canción pop.



RÚBRICA



RÚBRICA: es un conjunto de orientaciones que representan diferentes niveles de desempeño de los alumnos y que se usa para describir y juzgar sus actuaciones o los trabajos realizados por ellos.
La rúbrica para asignar puntajes: conjunto de categorías ordenadas con las cuales se puede comparar un trabajo o desempeño determinado y especifica la calidad o el  proceso que deberá exhibir una actuación o trabajo para recibir una calificación evaluativa particular. Por lo tanto es un procedimiento que especifica la manera cómo se calificarán los trabajos que realizan los alumnos o sus desempeños. Esta especificación se logra precisando los criterios  que se considerarán al momento de asignar puntajes y articulando, para cada criterio, una gradación de calidad que puede ir desde experto a principiante
El número de niveles de gradación de la calidad del trabajo del alumno es variable. Un ejemplo:
5: Cumple con todas las exigencias, se destaca.
4: Cumple con las exigencias con algunos errores u omisiones.
3: En algunos aspectos cumple con las exigencias.
2:  Rara vez cumple con las exigencias.
1: No cumple con las exigencias.
Hay que tener en cuenta los criterios para asignar puntuajes o dimensiones de lo que se evalúa. Hay que definir  esos criterios. Saber cuales son los niveles de calidad o de capacidad. Los descriptores de esos niveles serán los indicadores.
Considero la Rúbrica focaliza los esfuerzos de enseñar por parte del docente y le facilita la elaboración de informes.
Para los alumnos, les orienta y les proporciona elementos de juicio para autoevaluar su trabajo y les ayuda a adquirir paulatinamente autonomía en su propio proceso de aprendizaje.

            Uno de los aspectos que ha causado más controversia entre los maestros en relación con la evaluación, es la posibilidad de permitir a los estudiantes que participen en la decisión de cómo ser evaluados. Se piensa que ellos no están listos para esto y que con seguridad plantearían estándares muy bajos o formas sencillas para lograr calificaciones altas. Sin embargo, en algunas escuelas de Estados Unidos de América se usa el llamado contrato negociable (Stix, 1996) para que los alumnos se involucren en la evaluación.
Esta aproximación permite compartir con el estudiante la responsabilidad de su aprendizaje y de su calificación. El profesor también ofrece su punto de vista acerca de lo que debe calificarse en un determinado trabajo o producto, pero primero debe preguntar a los alumnos qué piensan sobre lo que debe calificarse para que se elabore un producto de calidad y por qué. Esto se puede llevar a cabo en una discusión de clase y el profesor puede fungir como facilitador de dicha discusión.
Un elemento importante usado en el contrato negociable es la rúbrica, esto es, diseñar una gráfica de evaluación entre maestros y alumnos. La rúbrica tiene por un lado de la gráfica "los criterios" que deben dominarse en la lección. Arriba se enlistan "los rangos" que servirán para evaluar el dominio de cada criterio. En la rúbrica, también debe aparecer el valor numérico o verbal según la importancia de cada criterio.


Técnicas de observación.
Ejemplo. Rúbricas para la evaluación de un mural: Un profesor de estudios sociales de la escuela "Robert Wagner" (en Stix,1996). El proyecto asignado fue la elaboración de un mural para una lección de Geografía. Antes de iniciar, el profesor reunió a sus alumnos para decidir entre todos cuáles serían los criterios que le darían al evaluador para calificar el mural con más calidad. Después de varias discusiones se pusieron de acuerdo en tres criterios:
-El detalle y la profundización de lo realizado.
-La aclaración sobre el tema.
-La alta calidad del diseño.
En la rúbrica, estos criterios se acomodan enlistados de lado izquierdo. Ahora, lo siguiente sería decidir los rangos, en lugar de grados o números (y colocarlos en la parte superior). De preferencia, los rangos deben evitar la implicación de bueno o malo. Los rangos elegidos en este caso fueron:
-novato,
-aprendiz,
-veterano
-maestro.

Algunos ejemplos de palabras que pueden emplearse como rangos neutrales según Stix (1996) son:
-Intento, aceptable, admirable e imponente.           
-Plomo, bronce, plata y oro.            
-Campesino, artesano, noble y faraón (personalmente este no me gusta)
-Gato, pantera, tigre y león.
-Primera base, segunda base, tercera base y home run.
-Novato, aprendiz, experto y distinguido.
Cada uno de los rangos debe definirse; por ejemplo en este último caso:
            Novato. Estudiante que ha entendido poco sobre la lección, observa poca preparación, sus conclusiones y su organización son deficientes y la información que maneja es incorrecta.
            Aprendiz. Empieza a entender los conceptos, tiene la idea principal, pero la presenta en forma general con pocos detalles y algunos errores en la información.
            Experto. Señala un claro entendimiento conceptual de la lección, y sus reportes son lógicos, organizados, con pocos errores.
            Distinguido. Su trabajo es sobresaliente, maneja detalles precisos, consistentes y a profundidad, y la presentación tiene pocos errores.
Se pueden incluir puntuaciones en cada rango y los estudiantes se clasifican en uno o en otro, dependiendo del trabajo realizado (véase cuadro 3.1).


Clasificación por categorías.
Ejemplo. Rúbrica para evaluar aprendizajes de la materia de Literatura
Otro ejemplo, ahora para una clase de Artes, lo ofrece la profesora Janine Bartko's en Stix (1996); ella utilizó la rúbrica en una unidad sobre poesía. Primero, los alumnos leyeron sobre diferentes tipos de poesía. Para poder evaluarla, tuvieron que definir lo que se considera una buena poesía, así que los estudiantes trabajaron en equipo y decidieron que había cuatro criterios que podrían servir para evaluar con justicia la calidad de los poemas:
Mural
Novato
Aprendiz
Veterano
Maestro
Detalles y profundización
-Poco hechos o incorrectos, escasos detalles
(1 a 3 puntos)
Algunos hechos precisos.
-Algunos detalles (4 a 6 puntos)
-Cantidad sustancial            de hechos,buena cantidad de detalles (7 a 9 puntos)
-Cantidad excepcional de hechos. Descripciones vívidas (10 a 12 puntos)
Aclaración sobre el tema
Vago y poco claro (1 a 2 puntos)
-Algo focalizado, pero no lo suficientemente organizado (3 a 4 puntos)
-Bien organizado y claramente presentado (5 a 6 puntos)
-Altamente organizado y fácil de seguir (7 a 8 puntos)
Alta calidad del diseño
-Poco diseño, mal planteado (1 a 3 puntos)
-Diseño simple,pero organizado (4 a 6 puntos)
-Atractivo, invita a verlo(7 a 9 puntos)
diseño excepcional y sobresaliente atractivo visual (10 a 12 puntos).

Puntuación de rangos con base en cuatro criterios.
1.            Poco focalizado, y el autor parece inseguro de la dirección (1 a 2 puntos). 2.            Algo focalizado, pero ausencia de continuidad (3 a 4 puntos).
3.            Bien focalizado, y el lector interesado completamente (5 a 6 puntos).
4.            El lector cautivado e involucrado profundamente (7 a 8 puntos).
5.            Dificultad para visualizar la imagen o la emoción (1 a 3 puntos).
6.            Algún uso de imagen, idea o emoción (4 a 6 puntos).
7.            Claro uso de imágenes sensoriales para simular ideas o emociones (7 a 9 puntos).
8.            Imágenes detalladas e intensidad en las emociones (10 a 12 puntos).
9.            Selección inapropiada o imprecisa de las palabras (1 a 2 puntos).
10. Expresión del pensamiento marginalmente (3 a 4 puntos).
11. Selección apropiada del lenguaje (5 a 6 puntos).
12. Uso rico e imaginativo del lenguaje (7 a 8 puntos).
13. Arbitrariedad en la puntuación (1 a 2 puntos).
14. Alguna puntuación significativa (3 a 4 puntos).
15. Puntuación significativa completa (5 a 6 puntos).
16. Puntuación que comunica el pensamiento (7 a 8 puntos).
Entonces, la rúbrica permite a los estudiantes involucrarse en su aprendizaje al participar en la evaluación; ellos tienen más claro lo que se espera y cómo asegurar sus logros.

Recomendaciones para la elaboración
            Conviene redactar respuestas modelo que demuestren los grados de los puntos que se asignarán en cada aspecto.
            Revisar las respuestas en forma anónima, sin ver los nombres o mediante un código para cada estudiante.
             Revisar y calificar una pregunta a la vez.


Ventajas:
-Sirve para evaluar niveles cognitivos altos donde la producción y la organización de las ideas son importantes.

-Útil para que los alumnos muestren su capacidad de integración y sus habilidades creadoras.

-Fácil de elaborar.

-Se adapta a la mayoría de las materias.

-Permite mayor libertad para elaborar las respuestas.
-Permite precisar y comunicar los criterios que tendrán en cuenta al evaluar.
-Posibilita que la medición sea más objetiva y consistente.
-Le fuerza a precisar los criterios y estándares, en términos específicos.
-Permite una retroinformación útil a los alumnos sobre la efectividad del proceso enseñanza aprendizaje. Proporciona expectativas precisas sobre lo que será considerado en la evaluación.
-Precisa estándares que deberán alcanzar.
-Proporciona mayor consistencia en la medición de los desempeños o comprensiones y en las calificaciones.
-En la medida en que los alumnos logran experiencias en el uso de la rúbrica, se les posibilita la autoevaluación, la coevaluación y la autonomía en el aprender.

Desventajas:
-Se invierte mucho tiempo en su revisión.
-La representatividad del contenido es limitada.
-La confiabilidad de los resultados tiende a ser baja debido a los elementos subjetivos que pueden interferir en la revisión.

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MÉTODO DE REGISTRO
Mientras que el método de registro de acontecimientos notables demanda que el evaluador utilice una bitácora diaria o un archivo para consignar en este documento las acciones más destacadas. 
El modelo de las hojas de registro permite evaluar en todo momento el desarrollo y alcance de múltiples  capacidades.
Es de carácter englobador. Las hojas de registro permiten determinar quién y en qué momento alcanza cada capacidad. Se tiene que observar muy detalladamente a tus alumnos. Con ello podemos saber donde realmente falla, o donde destaca nuestro alumno para así poder desarrollarlo en profundidad.

DESVENTAJAS:
-Dificultad que plantea este tipo de evaluación es que las hojas de registro han de ser enormes  si se quieren controlar todos los parámetros  y tantas como tareas,  así que hay simplificar.
-Si no se establecen previamente los criterios para evaluar, el resultado que se emita puede ser subjetivo. Se deberán establecer los criterios que el docente utilizará para evaluar el manejo de la información.
-Dirige al alumno a moverse dentro de una gran competición y puede llegar a compararse con otros alumnos lo cual no llega a ser muy positivo dentro de las relaciones sociales entre ellos.

*LINKS: